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STORYTELLING È UN PROCESSO ESTESO. Per prendere in prestito dalla terminologia audio / video, c'è una fase di produzione e una fase di post-produzione. La produzione è dove sei sul campo a raccogliere materie prime - prendere appunti, intervistare persone, organizzare scatti - in altre parole, "ottenere" la storia.
La post-produzione arriva dopo. È la fase di modifica, il periodo in cui i fotografi correggono i colori, il ritaglio e i diversi livelli dell'immagine per rappresentare al meglio le emozioni e la sensazione dell'esperienza. Il periodo in cui i videografi scrub il filmato, registrando le scene prima di iniziare a metterle in ordine. Il processo dei giornalisti che ripercorrono pagine di appunti, scoprendo come i diversi frammenti di dialogo e osservazioni si incastrano in modo coeso in una storia.
Per alcuni, come i blogger, la "post-produzione" può essere molto breve, una questione di postare rapidamente sulle tue esperienze o approfondimenti solo poche ore o addirittura minuti dopo che si verificano. Ma indipendentemente dal tipo di storia che stai raccontando, ci sono alcuni aspetti importanti quando si osservano i modelli di produzione / post-produzione.
Primo: puoi modificare e perfezionare il lavoro per sempre, ma in genere tutto ciò che devi lavorare è tutto ciò che avrai. Di solito è difficile o impossibile tornare indietro e ottenere più materia prima. Questo è il motivo per cui i professionisti programmano il loro lavoro attorno a specifici "servizi fotografici" in cui hanno il loro soggetto (che si tratti di un atleta o modello o un luogo o prodotto specifico) e tutta l'illuminazione, l'audio e altri elementi di cui hanno bisogno lì al momento giusto.
Non importa che tipo di narratori siamo, possiamo adottare questa stessa logica. In poche parole, più sei in grado di identificare chiaramente il tuo argomento, più storie efficaci racconterai a tutti i livelli. Questo è sia su un progetto esteso, sia all'interno di ogni momento: scattare una singola foto o note su una scena o una conversazione particolare.
La maggior parte dei registi, giornalisti e altri che lavorano su grandi progetti non sanno necessariamente dove sta andando la storia esatta prima di iniziare. In effetti, molti non ne hanno idea; questo è qualcosa che capiscono spesso durante la post-produzione. Ma entrare in un progetto - che si tratti di un documentario sulle lingue in via di estinzione in Cile o semplicemente di viaggiare in Alaska nella speranza di fotografare l'aurora boreale - sono assolutamente chiari sull'argomento. Questa è la differenza tra i professionisti che adottano un approccio orientato alla missione, sfruttando tutti i vantaggi della loro fase di produzione, e il principiante che potrebbe essere in viaggio a scattare immagini e appunti a caso in qualsiasi cosa colpisca la loro fantasia.
I professionisti determinano l'argomento. Se sono fotografi, osserveranno ciò che li circonda e definiranno il loro soggetto prima di ogni altra cosa, quindi regoleranno la loro composizione in modo che ogni elemento dell'immagine enfatizzi l'umore, le emozioni e l'atmosfera di quel soggetto. Se sono scrittori, si affronteranno non solo in un luogo o "personaggio", ma nei dettagli chiave di quel personaggio o luogo che supportano la storia che stanno cercando di raccontare.
Complesso vs. multistrato
Le storie della maggior parte dei principianti tendono ad essere complicate ma a strati singoli. Prenderanno dozzine di cose diverse e tenteranno di metterle tutte insieme. Al contrario, le storie dei professionisti tendono ad essere semplici eppure a più livelli. In altre parole, esiste un arco narrativo o un soggetto di facile identificazione, ma attraverso questa semplicità ci sono complessi strati di informazioni, emozioni. Ancora una volta, questo si riduce a quanto chiaramente lo storyteller afferri il suo argomento.
Qual è il tuo argomento?
È importante non limitarsi quando si determina il soggetto. In un'immagine, ad esempio, il soggetto può essere solo uno stato d'animo o un motivo, come il vuoto della foto a destra in basso. Può essere una certa luce o lo sguardo negli occhi di una persona o animale.
In una storia scritta, potrebbe essere un personaggio o un luogo particolare, ma potrebbe anche essere una qualità o una dinamica - diciamo, la capacità di resistenza di un gruppo di persone di fronte al cambiamento dei tempi economici. In questo caso, ogni dettaglio della tua storia - ciò che stai cercando nella fase di produzione e il modo in cui la modifichi in post-produzione - deve supportare questo argomento.
Qual è la storia? Vastità? Desolazione? Semplificando il soggetto, la composizione rivela livelli, profondità. Immagine di Colby Brown.
Come per qualsiasi altra cosa nella narrazione, capire il tuo argomento è un'abilità che richiede tempo e pratica. Ecco due considerazioni per aiutarti a iniziare:
1. Successo del modello
Modella il modo in cui i maestri narratori descrivono i loro soggetti. Trova un mentore. Per me sono stati i nuovi maestri del giornalismo come Gay Talese e Truman Capote. Ho adorato il modo in cui hanno profilato i personaggi, e così ho modellato i loro metodi per "oscurare" qualcuno durante un giorno della loro vita.
Se sei un fotografo, il cui lavoro ti ispira? In che modo le loro composizioni raccontano una storia? Trascorri così tanto tempo a decostruirli da diventare un esperto delle loro tecniche. Dopo abbastanza tempo, inizierai a capire i tuoi modi originali di trovare soggetti.
2. Non confondere la tua storia personale (specialmente durante la produzione) per l'argomento
Molti storyteller principianti confondono i momenti come "parte della storia" semplicemente perché si sono verificati durante la produzione. Ad esempio, durante la mia prima missione giornalistica in Sud America (una serie di interviste con le Madres di Plaza del Mayo), ho scoperto che l'intera esperienza mi ha messo in una sorta di trance. Ogni giorno stavo ascoltando le storie delle madri sui loro figli che erano "scomparsi" durante la Guerra sporca. E poi durante gli altri momenti della giornata a Buenos Aires accaderebbero cose che sono state caricate delle emozioni accumulate durante queste interviste.
Una volta scesi da un taxi e mi trovai faccia a faccia con un vecchio militare (ufficiale dell'esercito) che avrebbe potuto essere coinvolto nelle stesse sparizioni subite dalle Madri. Ma invece di parlargli, di fargli domande, di rimanere guidato dalla missione, ho dimenticato momentaneamente l'argomento (condividendo le storie di coraggio delle Madri) e giustapposto il mio senso di essere sopraffatto come "la storia". Questa è una mossa amatoriale.
In questo momento, ovunque tu sia, considera: cosa conta davvero per te? Di cosa potresti vederti scrivere non solo oggi, ma tra 10 anni? Come puoi dividere questo tema generale in piccoli pezzi, ognuno dei quali potrebbe diventare soggetti per lavori futuri?
